汇聚72位当代艺术大师的“蓬皮杜现代艺术大师上海展”终于开幕了。在惊喜之余，主办方之一的“上海天协文化”不禁让人惊了一身冷汗。没错，“上海天协文化”便是去年争议巨大的“疯狂达利艺术大展”主办方。想想去年“疯狂达利展”所引出的一系列争议以及圈内人对其的评价，不禁让人担心——这一次的“超级大展”会不会再次沦为主办方生财的道具，而忽略展览应具有的学术价值吧。

在展览已开幕的几日中，我们通过国内各媒体对上海展的相关报道和该展在日本东京在长达三个月的展期中的详情进行对比，来看看对于同一展览中日双方有着怎样的差距。

由于东京和上海两站的展出作品，除数件不同，其余完全一样。我们不便于通过作品本身去讨论展览的相关学术问题，而是借助同一作品去看中日双方在策展理念和展陈方面的一些差异。

主办方

东京都美术馆VS上海天协文化

日本站的展览主办方选择了日本首屈一指的美术馆——东京都美术馆。（注：东京都美术馆有着超强的大展的经验，拿过去一年来说，该馆就办过“莫奈展”、“波提切利展”以及如今还在展出的“梵高和高更”等国际高品质大型展。）众多大展的经验，让东京都美术馆对于展览的把控有着自己的节奏。而此次“蓬皮杜现代艺术大师展”，由于各大师只有一件作品，为了尽可能仅靠作品去展现每位大师的个人魅力，东京都美术馆方将展览空间和作品陈列作为了关键因素。

反观该展的国内的主办方并非专业美术机构，而是来自一家文化产业公司——上海天协文化。虽说上海天协文化在近年中举办过多次艺术大家展览，如毕加索、莫奈、雷诺阿、达利等个展，但其中个别展览却是争议不断。

如该公司去年所主办的“疯狂达利”就在作品的“真假”问题上引起了行业的争议：西班牙达利基金会负责人称，‘疯狂达利艺术大展’上呈现的那些达利的雕塑作品，只是‘有版权的工艺复制品’。谢定伟：“所有展出的展品都是真品，都是在达利生前制作的，每件东西都有证书都有历史的资料，不存在复制品的问题?！保ㄗⅲ号炫刃挛旁凇丁按锢贝笳拐樯?，公众更应关注什么？》一文中，便对上海天协文化去年所举办的“疯狂达利展”的争议事件有着详细记录）

对于展出作品，上海天协文化与东京都美术馆间也差距甚大。拿东京都美术馆去年做的“莫奈特展”与上海天协文化14年“印象派大师莫奈特展”相比：两个展览的作品都是来自马摩丹莫奈美术馆，但所展出的作品质量却极其大。东京方借来了马摩丹莫奈美术馆名作《印象日出》以及多幅精品“睡莲系列”和“日本桥系列”以及众多莫奈经典名作。

而“印象派大师莫奈特展”上除了品质一般的3米《紫藤》和2米的《睡莲》，更多的展品则是莫奈的漫画以及一些旅行中的写生风景。

以此来看，如果将两者之前做的展览，无论是展出作品还是策展质量都还是有着较为明显的差距。

策展理念

东京都美术馆团队VS罗朗·乐朋

本次“蓬皮杜现代艺术大师展”展出的71件作品皆来自蓬皮杜艺术中心。作品按照 1906 年到 1977 年的时间顺序，每年每人一件艺术品的模式组成了这个“大师展”。

东京站的策展由东京美术馆自身担当，除此之外主办方还邀请来了近年在日本大热的建筑设计师田根剛作为展厅设计师。田根剛对展厅空间进行了重新改造，将以往常规的展厅分为了三个展区，并以法国三色旗的蓝白红作为各展厅的主色调，以此去展现蓬皮杜与法国间的关系。

“此次展览我想设计一种新的展陈方式，向这些伟大的作品和艺术家致敬。整个展览以作品、艺术家、以及艺术家本人的语言所构成，通过艺术家和作品、作品和语言、语言和艺术家之间的关系向观者呈现那个伟大时代?！?  ——田根剛

拿一楼展厅来说，田根剛利用两面展墙为这个阶段的每一件经典之作搭建了一个一个90度夹角独立空间，通过一面的作品和一面艺术家本人的经典语录和照片让观者能不受两边作品的干扰完全走进该艺术家的世界。 

展墙上印有的贾科梅蒂的语录：“我知道对于我来说，做一个典型的画家是永远不可能的，比如说让我老老实实地画一幅人像就有点不现实。但这却是我永远的梦想?！?/p>

上海展虽然邀请了法国毕加索博物馆馆长罗朗·乐朋作为策展人，但展览的空间设计却邀请了以往上海天协文化举办的雷诺阿、达利等展览的法国设计师来担当。所以，展厅的最终效果的主导权仍然在上海天协文化方。 

设计师参考西安碑林，将展墙设计成一块块独立丰碑，让一件艺术品搭配一块丰碑，以此去体现各作品的独立性，同时也去象征各大师作品里程碑的概念。

展墙的正面都为白色，去呈现作品和年代。而展墙的后面以法国蓬皮杜外墙管道的红白蓝绿为主色，同样印有各位艺术家语录与创作理念。

如果只是单纯的从策展理念上来说，上海方“碑林”和“里程碑”式的策展理念更具有意义。但将这种理念落实到展览现场，展厅效果却不那么让人如意。（展厅效果如上图所示）

展览最终效果

东京美术馆VS上海展览中心

由于作品是以一年一件艺术品的方式进行，其跨越了71个年度，包含了“立体主义”、“野兽派”、“表现主义”、达达主义“等多个艺术流派。如果按照常规的策展方式，一般都会按照流派将作品分类陈列，这样能更好的呈现出作品以及流派的特色。

但在本次展览上，东京都美术馆方放弃了这种常模式，只是以时间顺序将作品分为3个区域依次排列，也就是上段提到的红蓝白区，并根据作品本身的颜色去调整红蓝白展墙的各自明度：

前厅展厅为红色，展出（1906~1934）间的作品 

　　一楼展览为蓝色，展出（1935~1959）间的作品  

　　二楼展览为白色，展出（1960~1977）间的作品 

东京展的展厅效果更突出了展览和作品本身蕴含的意义和品质。

再来看看上海展厅效果：

上海站将场地转移到了上海展览中心西二馆，虽然展陈方式也按照时间轴进行。但由于场地、展陈等因素，丰碑的理念虽然是好，但落实到现实中时却显得很局促。作品尺寸和类型（雕塑、绘画、装置）的不同，独立“丰碑”式的展墙让展厅在视觉上显得混乱不统一；“丰碑”的背后大量的字体和红黄蓝绿的色块，过多的抢了观者的视线；而作品与作品间的距离，作品与观者间的距离的密集度也让展览在同一空间中有种“大杂烩”之感。（而很多细节，比如展览地板……算了，不说了，自己用心去感受） 

展览衍生品

在展览衍生品部分，东京展将卖场做成了与展厅相同的红白蓝三色去进行搭配。而对于所卖商品，也通过多种方式进行陈列。

其衍生品的种类也更加多元，除了相关的书籍与一些饰品、包袋、甜品，主办方还根据部分大师作品将其漫卡通化去适应不同人群。

而上海展的衍生品卖场，衍生品的种类相对单一。在展陈上虽然有所讲究，但始终流露出一道“卖场味”。

展览票价

对于艺术爱好者来说，即使你不能给予他很好的观展感受，只冲着这些名家名作我们也毫不犹豫的前往，但看了上海展的票价时，让我们在掏包时有点心痛——150元。在看看东京展的票价最高才1600丹（100元左右），不免让人疑惑 “真是为了圈钱而办”。要知，除去东京与上海间巨大物价差以及巨大的人均收入差，即使不看展览质量我们还高了隔壁整整一半。（1600丹，在东京也就一碗普通面的价位，而150元在上海那是多少碗面）

东京展票价（普通大众1600丹、大学生及艺术专业学生1300丹、高中生600丹、65岁以上800丹）

两者的差异，不仅体现在以上几方面，前期媒体宣传和展期间的互动也有着很大的区别。同一个展览，但出现两种不同的展览效果，在巨大的差异中值得我们提出疑问：“展览除了是‘挂画’，是不是还应具有其它的内容？”。

据不完全统计，每年艺术展览火热的8、9月份，每天国内的艺术展览数量数以百计，除了艺术中心北京、上海以外二三线城市也有各类参差不齐的展览。而朋友圈频刷各类展览，各类明星、名流出席展览都给人一种艺术展览正如火如荼的在各地上演。但在这每天数以百计的展览中，有多少展览能配上展览二字，更不要说又有多少展览最终会被人所铭记？能被美术史所接纳？这些繁荣表面背后，是否隐藏着更大的?；?？

本来，国内能引进如此规模、如此具有分量的展览应是好事，但如只是以名气去吸引观众，而忘记展览应有的学术价值（在此主要指展陈），这无疑让展览与观众间都以娱乐的方式消磨着对方。而最终，这种娱乐会不会让展览演变成波兹曼的那句名言“娱乐至死”？